形式
草书作品的形式主要体现在小草与章草，大草相对朴素。用色夸饰浮华、拼贴杂乱繁复的，几乎一概拿下。极个别出奇入妙之外，雅致、古色、大方、明快、妥帖、朴素，次第而下。形式如衣饰，贵能得体。
高人雅士自然可以乱头粗服，俗客则明显不宜。因此，形式装帧设计，最好浑然无迹，如时装设计的“乞丐服”，损破、补丁都必须经过精心设计，而绝不是真的“乞丐之服”。作品的形式有可人之处，先入为主，好意顿生。
功夫
这是过于老生常谈的话题，很难谈出新料。中国书协的工作方针第一句就是“植根传统”，但传统不能是集字，集字仅仅是传统的躯壳。把握传统的精神，才能深入变化，才能有“入”有“出”。
学习传统，一是写像、再是写活，妙在“似与不似之间”，不可死学。传统让人肃然起敬，但从变化与创新的角度讲，传统也可以用来质疑和批判继承，就如学“二王”、智永、赵孟頫最像，而杨凝式、米芾最活。
功夫最重要的就是“古意”，它包含对笔法、墨法、字法、章法的理解与应用，并能书写自然流畅。能出入规矩的，自然上乘;集字痕迹明显的，很难幸免。
情性
性情体现在书法作品之中，往往是对规矩把握的若即若离的状态。创作中的临时起意、无心插柳，甚至神来之笔，都来源于平时学习的灵活与胆识及相应的训练，尤其是草书。
循规蹈矩、亦步亦趋，辄如一潭死水。
情性的介入则意味着对规矩的破坏。破坏的体量越大，情性越足。古人有“唯观神采，不见字形”之论。也体现在对于“中庸之道”两端维度的撕扯与扩张。具体落实到作品之中，有运笔绞、皴破锋;行气腾挪漂移;章法大疏大密以及结字展蹙夸张、险夷无常等等。
而在大草中，最常见的莫过于拉长线了。虽说“雅正”是书法艺术的审美主流，但过于雅正则不免严肃呆板，有时出奇才能制胜。这也难怪许多功力深厚的老作者在评审过程中落选了。庄谐并重不失为明智之举。适当体量的“谐”是一种调剂，可以盘活通篇。
情性需要想象力与胆识，更需要睿智地介入与驾驭。作品能现情性，离道不远矣!
此届草书作品，不乏佳构。也有不少华过于实的，还有直接师法当代名家的，本着中国书协“多样包容、鼓励创新”的工作方针，但有可观者，初评都顺利过关。
思想
思想是书法的艺术源泉。一件较为成功的书法作品，一般都能折射出书者的取法对象、笔力笔性、速度空间及对于审美取向的偏好等信息。优秀的作品耐人品读，进而遥想其人，挖掘作品背后的故事。当然，将思想物化成为理想的书法作品，可能需要反复实践。
精品的出炉必须经过反复打磨，需要“工匠精神”。我素来极不赞成所谓的创作状态必须是“一蹴而就”的模式。“若不经意”是一种可遇不可求的偶然状态，不能坐等。打磨创作作品或许被夸大，但更多的是丑化与嘲讽。嘲讽书者反复打磨作品就如同嘲讽诗人写作需要寻找灵感一样。
古训有“如对至尊”之议;书圣有“心意者，将军也”之论。持“一蹴而就”论的书者如果每一件作品都满意，那只能是对自己太过于宽容，否则，就是应付;再则，就是后悔。
书法艺术的抽象意义与诗作十分相似，没有立意，难有佳作。唐人写诗，“吟安一个字，捻断数根须”“两句三年得，一吟双泪流”，即为写作磨稿的典型。袁随园认为，写诗要学会慢，意即才有咀嚼打磨的空间。
非大才者，是不敢轻易“口占”的!
古人云“意先笔后”。“若不经意”而非“不经意”。体现在书法创作之中，就是思想与技法的和谐统一，感觉如同自然迸发。如取法融合多家，或碑帖兼美;如章法虚实层峦叠嶂;如节奏韵律抑扬顿挫;或茂密雄强、或虚灵疏旷等等。
一幅作品能成功让人感受到高级思想的搭载，想不入展都难。
